Parece claro que a estas alturas pocos son los que no creen que Ghosteen, el disco que Nick Cave y los Bad Seeds lanzaron en Octubre va a ser uno de los grandes discos del año, si no, el más importante.
Ghosteen es el decimoséptimo álbum de estudio de la banda de Nick Cave y Warren Ellis, y es la tercera entrega de una trilogía de álbumes a la que precedían Push the Sky Away (2013)
y Skeleton Tree (2016)
La página web de Cave decía “Puedes preguntarme cualquier cosa”. Y así lo hizo, respondió a todas preguntas que los fans y seguidores del artista quisieron hacerle, desde lo más trivial a lo más trascendental, y contestó de forma inteligente, elocuentemente y extensa. Sabemos que Nick Cave sufrió una importante perdida, la de su hijo adolescente cuando cayó desde un acantilado cerca de Brighton en Julio del 2015. Este fatal accidente ha marcado su trabajo desde entonces, lo que le ha llevado según sus palabras, a “ver a las personas de una manera diferente”, teniendo “un sentimiento profundo hacia otras personas y una comprensión absoluta de su sufrimiento”.
En este Ghosteen hay un giro en la composición y sobre todo en la producción , no hay prácticamente percusión, la electrónica se ve eclipsada por sintetizadores analógicos que generan misteriosos paisajes sonoros. Un conjunto de canciones directas y de una belleza enorme en las que Nick Cave y The Bad Seeds muestran emociones más tranquilas, con más empatía y más lírica que nunca.
Cuando se lanzó su anterior álbum, Skeleton Tree, el público lo recibió como un intenso estudio sobre el dolor, se percibía lo sombrío e inquietante que sonaba. Ghosteen es el álbum que se suponía era su predecesor, y aún con la presencia de la pena, no estamos frente a álbum marcado por la tragedia. El resultado del trabajo de este álbum, y es por lo que resulta tan diferente, es que se ha conseguido plasmar la belleza de sus sonidos y sus canciones a pesar de la presencia del dolor y la perdida.
Absolutamente memorable, esta aparición de Jimi Hendrix con su formación de poderoso trio Jimi Hendrix Experience en el show de Lulu de 1969 en la BBC.
Jimmie Lawrence Vaughan nacido el 20 de Marzo de 1951 en Oak Cliff, Dallas County, Texas, vive actualmente en Austin, Texas, y es el hermano mayor de la desaparecida leyenda del blues, el guitarrista Stevie Ray Vaughan. Juntos grabaron un solo álbum.
Cuando se trata del blues de hoy en día, hay un puñado de reglas que hay que seguir para asegurarse de que la música se mantenga fiel a su potente origen.
El sonido de placer y de dolor que hizo que los músicos crearan ese sonido es una fuerza que nunca se puede subestimar. El guitarrista y cantante de Texas, Jimmie Vaughan ha dedicado su vida a asegurarse de que el blues no solo siga vivo, sino que esté lleno de vida y sea una inspiración para todos los que lo escuchan. Él ha mantenido el espíritu del blues durante más de 50 años, y parece no estar dispuesto a detenerse ahora.
Su nuevo álbum, “Baby, Please Come Home”, es una celebración de lo más honesta de todo lo que puede ser el blues. Las canciones pueden ir hacia arriba, hacia abajo, hacia los lados, pero una cosa es cierta, todas y cada una de las direcciones están llenas de puro sentimiento y sorprendente originalidad. Esto se debe a que, si bien el blues es casi tan antiguo como la propia América, cada vez que un músico pone su alma a vivir dentro de estas canciones, surge algo nuevo.
Hay una reinvención constante para músicos como Vaughan, porque el blues lo exige. Y es así como prospera y avanza esta música. Es la alquimia, donde los instrumentos y la voz se unen para conseguir un sonido único.
En “Baby, Please Come Home”, Jimmie Vaughan prueba sin lugar a dudas que todos sus esfuerzos y energía lo han llevado a la tierra prometida. Tal vez sea porque el blues es realmente el arte de la destilación, buscando el sonido donde no hay notas extrañas, o adiciones innecesarias al sentimiento de libertad. Se tarda años en llegar allí, y la paciencia es definitivamente una virtud.
Por encima de todo, el sentimiento es el elemento más importante de todos. “Tocar lo que sientes siempre ha sido mi principal objetivo”, dice Vaughan. Teniendo en cuenta que ha tenido el tipo de carrera que lo convierte en una leyenda viva, esas no son palabras ociosas.
Su primer grupo, cuando estaba comenzando la escuela secundaria, tocaba en el Dallas’ Hob Knob Lounge seis noches a la semana, aprendiendo el tipo de lecciones que no se pueden enseñar en otro sitio. Otras bandas en los años 60 le convencieron de que era hora de encontrar una manera de tocar la música que él sentía más fuerte: el blues. Eso lo llevó a Austin a principios de los años 70, donde formó un nuevo grupo de blues con quien compartió su emoción musical.
Después del éxito mundial con los Fabulous Thunderbirdsdurante los años 80, llegó el momento de dejar esa banda y construir su propio camino en la exploración de diferentes enfoques del blues. Él no dudó, y descubrió que podía llevarlo a cualquier parte; no había limites “Quería saber qué podía hacer realmente”, dice, “y cuando comencé a cantar encontré un nuevo camino para explorar”.
Durante los últimos años, en estudios de grabación cerca de Austin, Vaughan ha estado trabajando en una serie de álbumes dedicados a las canciones que siempre ha tenido en gran estima, grabadas por artistas que lo han inspirado desde sus primeros días en los escenarios, constatando que la música está destinada a encender el corazón y llenar el alma. No puede haber atajos ni juego de manos cuando se reproducen estas canciones que provienen de personas responsables de música tan grande; algunos que son famosos y otros que no son conocidos fuera del blues o del mundo del country.
En “Baby, Please Come Home”, esos artistas originales son Lloyd Price, Jimmy Donley, Lefty Frizzell, Richard Berry, Chuck Willis, Bill Doggett, T-Bone Walker, Etta James, Fats Domino, Gatemouth Brown y Jimmy Reed. De muchas maneras, esta es una lista de algunos de los principales proveedores de los mejores sonidos de Estados Unidos. El hecho de que pueda ir desde el blues seminal como Reed hasta uno de los padres fundadores de la música country moderna, Frizzell, demuestra que la música no se trata de como esté etiquetada, sino de cómo se escuche.
El grupo de Vaughan en “Baby, Please Come Home”, incluye a George Rains, Billy Pitman, Ronnie James, Mike Flanigan, Doug James, Greg Piccolo, Al Gomez, Kaz Kazonoff, T. Jarred Bonata, John Mills y Randy Zimmerman. A ellos se unen los vocalistas invitados Georgia Bramhall y Emily Gimble.
Estas sesiones, en su mayoría en el estudio de la estación de bomberos de San Marcos, Texas, son el tipo de grabaciones en el que los músicos que han estado tocando esta música durante décadas tienen un estilo de comunicación casi silencioso, donde una mirada o una sonrisa comunica mucho más de lo que las palabras nunca podrían. Como líder de la banda, cantante y guitarrista, Jimmie Vaughan es un maestro en cómo capturar todo esto.
Keith Richards, de los Rolling Stones, dijo una vez: “Los blues, probablemente sean la cosa más importante que Estados Unidos le haya dado al mundo “. A lo que Jimmie Vaughan probablemente agregaría,“si señor”.
El 9 de Mayo, la FIM (Fédération Internationale de Motocyclisme (FIM, International Motorcycling Federation), organizó un evento único y muy especial en la sede de Mies en Suiza, cuando abrió sus puertas a los invitados para ver el estreno de la tan esperada exposición ‘100 Cool Riders’ con bocetos del artista español Emilio Cabañas.
Parte de la colección se compartió recientemente en los canales de las redes sociales de la FIM, y el presidente de la FIM, Jorge Viegas, dio la bienvenida a varios de los mejores pilotos suizos, la leyenda de Moto GP Dani Pedrosa, personalidades locales y miembros de medios regionales para ver los bocetos de primera mano.
En la presentación actuó el hijo del artista, Marcos Cabañas.
El país anfitrión de la FIM, Suiza, estuvo representado por Bastien Chesaux – Supersport y Moto2; Rolf Biland: siete veces campeón del mundo de FIM Sidecar Grand Prix; Jacques Cornu: campeón del mundo de resistencia de la FIM y ganador de 24 horas de Le Mans / 24 Hours Spa, además de campeón nacional de carreras múltiples 250/350 / 500c y 250cc GP ganador; Philippe Coulon, piloto de 500cc Grand Prix, Serge David: cuatro veces Campeón Nacional de Motocross antes de convertirse en el piloto del Gran Premio de 500cc; Roland Freymond – piloto de Gran Premio de 250 / 350cc; Hervé Gantner – Campeón Nacional de Supersport; Joe & Hubert Genoud – Marc Ristori – Campeón Nacional Multi Motocross; Bernard Jonzier: comentarista del Gran Premio durante más de 30 años en RTS, y su sucesor Matthieu Juttens.
La exposición en sí muestra un asombroso espectro de dibujos que representan una mezcla de corredores famosos, celebridades mundiales e íconos del motociclismo y la música que incluye nombres como Jack Nicholson, Brad Pitt, Bruce Springsteen, Orlando Bloom, Richard Gere, Nicolas Prost, Guy Martin, Ewan McGregor Hubert Bastie, Marc Márquez, Roland Sands, Dani Pedrosa o Kevin Schwantz entre muchos otros.
Los invitados también pudieron admirar una excelente colección de motocicletas antiguas en exhibición en la sede de la FIM.
El artista Emilio Cabañas expresó su satisfacción por el éxito: “La constancia y la persistencia con pasión son una muy buena combinación. En la FIM, sentí que mi mensaje fue perfectamente comprendido y transmitido en el evento. Estoy muy agradecido a la FIM por compartir estos valores “.
La exposición “100 Cool Riders” en la sede de la FIM en Mies, Suiza, estará abierta para visitas invitadas hasta el viernes 17 de mayo.
“Deep In My Soul” de Big Daddy Wilson, ha sido grabado y producido en Bessie Blue Studios en Stantonville por el legendario Jim Gaines, reconocido por sus trabajos con Santana,Stevie Ray Vaughan, Coco Montoya, Huey Lewis, George Thorogood, Buddy Guy o Vargas BluesBand entre muchos otros.“Trabajar con un productor legendario como Jim es ciertamente una experiencia de humildad”, comenta Wilson, “porque aquí tus oídos y tus ojos están completamente atentos para captar cualquier cosa que puedas llevar contigo”. El disco acaba de lanzarse ayer 18 de abril.
Nacido y criado en Edenton, Carolina del Norte, este hombre del blues aún recuerda sus primeros años cundo su familia lo instaba a cantar en la iglesia para evitar las tentaciones de las drogas y la delincuencia. En 1979 se alistó en el Ejército y viajó a Alemania donde descubrió el poder del blues en vivo en los clubes locales.
Rápidamente Wilson fue muy buen recibido en el circuito europeo por su personal voz de “miel ahumada”, junto a la composición de temas originales de blues, funk, soul y reggae en álbumes como Love Is The Key (2009),
Thumb A Ride (2011) ,I’m Your Man (2013),
Time (2015) y Neck Bone Stew de 2017,
siendo elogiada su “autenticidad” por toda la audiencia y la crítica.
Pero el sur de Estados Unidos siempre hervía a fuego lento bajo su piel y aunque algunas cosas cambian, otras permanecen igual, así con “Deep In My Soul” , la música y la carrera de Big Daddy Wilson se completan y consolidan. “Lo veo como un viaje”, dice de su increíble historia. “Es el viaje de un hombre que se encontró en lo profundo de esta hermosa música llamada blues y finalmente, después de 25 años, regresó a casa …”
Uno de los representantes más prometedores de lo que se dio en llamar “chillwave” es Chaz Bear (Chazwick Bradley Bundick), escondido bajo el nombre artístico de Toro y Moi y con una discografía a sus espaldas a tener en consideración. Causers Of This (2011) Underneath The Pine (2011) June 2009 (2012) Anything In Return (2013) What For? …
Ocho largos años, han estado esperando los fans de Robyn el nuevo álbum en solitario de la estrella internacional del pop sueco, en el se incluye la colaboración con Joseph Mount de Metronomy.
“HONEY” es un álbum de pop prácticamente impecable. No necesita de comentarios políticos o guiños culturales para dejar patente su valor, sólo con la música de baile convence y satisface.
En una serie de entrevistas recientes, Robyn reveló los problemas y luchas con los que ha peleado últimamente, así como las razones de esta espera de ocho años para lanzar nuevo material. Después de la muerte de su amigo y colaborador Christian Falk, y de una ruptura en su relación personal, sufrió de depresión y eso la llevó a una terapia intensa. También estaba agotada después del trabajo con su anterior disco “Body Talk”.
Todo esto le impedía hacer lo que amaba: escribir, producir y actuar. También había que añadir la presión para continuar después de su trabajo más aclamado por la crítica. Es una gran noticia que haya encontrado fuerzas para regresar, pero con “HONEY” ha merecido la pena esperar, ya que este disco está lleno de sorpresas y agrupa perfectamente todo lo que hace de Robynun artista tan excepcional.
Es conveniente destacar que a pesar del gran éxito de su anterior disco, Robynha conseguido no repetir fórmulas y generar nuevos sonidos. Tomar ciertos riesgos al final se convierte en algo positivo. Si hubiera seguido en la misma onda de su anterior trabajo, habría sido para muchos un poco decepcionante y en estos momentos se la estaría acusando de repetitiva. definitivamente no es el caso y “HONEY” apunta a posicionarse como el mejor disco pop del año.
Cuenta Brian Duffy, uno de los grandes fotógrafos de los años setenta, que David Bowie fue a verle a su estudio al norte de Londres en enero de 1973, con el pelo rojo y el corte de Ziggy Sturdust. Brian Duffy era uno de los tres fotógrafos londinenses, junto con David Bailey y Terence Donovan, que habían revolucionado la fotografía de moda, y conocía a Tony Defries, el manager de Bowie.
Según Duffy, el célebre dibujo del rayo en la cara de Bowie fue el resultado de una idea que estuvo basada en Elvis Presley, “Bowie estaba interesado en el anillo de Elvis que tenía grabadas las letras TCB [‘taking care of business’ / ‘cuidando del negocio’] junto con el dibujo de un rayo.
“Lo que hice fue trazar el diseño directamente sobre su cara, y lo coloreé con pintalabios”.
El resultado de esta combinación fue la portada de “Aladdin Sane” el sexto disco de estudio de David Bowie lanzado en Abril de 1973.
